Befolgen Sie die Grundregeln und Prinzipien, um großartige Kunst zu schaffen

Für den Gelegenheitsbeobachter kann die Welt der Künste unnahbar erscheinen.

Wenn Sie sich ein Gemälde ansehen, ein Ballett sehen oder ein klassisch.

Viele Menschen glauben, dass Talent, Glück und Genie dafür verantwortlich sind, eine hohe Kunst ins Leben zu rufen. Obwohl diese definitiv eine Rolle spielen, sind sie nicht die ganze Geschichte. Obwohl es von weniger ausgebildeten Augen unbemerkt bleibt, werden alle Künste von einer gemeinsamen Fundament untermauert: Designprinzipien, die je nach Disziplin variieren.

Tänzern wird beigebracht, rechtzeitig mit ihren Kollegen aufzutreten, damit sie sich als eine Einheit bewegen. Maler und andere visuelle Künstler lernen, Elemente der Perspektive, Komposition und der Verwendung von Licht oder Schatten zu manipulieren.

Klassische Musiker studieren Regeln für Harmonie und musikalische Form; Sie lernen, wie man eine gute Intonation erreicht und ihren Körper auf eine Weise bewegt, die den gewünschten Klang erzeugt.

Ein solides Verständnis der zugrunde liegenden Designprinzipien Ihres Handwerks ist wichtig, um sich zu einem raffinierten, reifen Künstler zu entwickeln. Die Musik von Bach und Beethoven würde ohne ihre vollständige Beherrschung der Harmonieregeln nicht existieren; Monet und Vermeer würden nicht gefeiert, wenn es nicht ihre vollständige Kontrolle über die Perspektive und den Einsatz von Licht in ihren Gemälden ist.

In jeder künstlerischen Disziplin werden Kenntnisse und Respekt für die Kernviertel des eigenen Themas aus den frühesten Ebenen vermittelt und werden kontinuierlich als Grundlage für den Aufbau von fortgeschritteneren Meisterebenen verwendet.

Sowohl Studenten als auch Fachleute nutzen diese etablierten Kernphilosophien, um ihre Arbeit täglich zu informieren, selbst in den höchsten Phasen ihrer Karriere.

In Bezug auf Kunstformen beziehen sich die meisten dieser Prinzipien auf technische Aspekte, wie Sie eine bestimmte Bewegung oder einen bestimmten Pinselstrich ausführen sollten oder wo ein bestimmtes Thema oder ein bestimmtes Subjekt platziert werden sollen, anstatt auf ästhetische Konzepte.

Daher ist es einfach, sie starr zu betrachten, und nicht als unterstützender Rahmen. Wenn Sie jedoch in Ihrem Handwerk vorrücken, sehen Sie, dass jeder Künstler seine eigene Interpretation der Prinzipien hat. Dies ist es, was es jedem Kunstwerk und jedem Künstler ermöglicht, sich von einem anderen zu unterscheiden.

Wenn Sie technische Bedenken beherrschen und Ihre Technik kontinuierlich verfeinern, lernen Sie, die Regeln auf Ihre eigene Weise zu manipulieren, und dies verleiht Ihrer Arbeit Sinn, Unterscheidungskraft und persönlichen Ausdruck für Ihre Arbeit. Bach, Beethoven und alle großen Meister perfektionierten und bogen dann die Regeln; So werden Sie auch ein einzigartiger, denkwürdiger Künstler.

Visuelle Künste wie Zeichnen können besonders schwierig sein, da Sie dreidimensionale Elemente auf einer zweidimensionalen Oberfläche darstellen müssen. Aber nach bestimmten Prinzipien, auch als Anfänger, hilft Ihrer Kunst, überzeugend und ausdrucksstarker mit weniger Frustration und Anstrengung zu sein. Schauen wir uns einige der grundlegenden Designtechniken an, die für alle, die zeichnen, unerlässlich sind.

Komposition
Komposition ist das Layout aller Elemente in Ihrer Zeichnung. Form, Linie, Farbe, Ton und Raum sind Teil davon.

Bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen, ist es am besten, vorläufige Skizzen zu erstellen und herauszufinden, was Sie zeichnen möchten. Sobald Sie dies getan haben, müssen Sie als erstes für Ihre Zeichnung nachdenken, ist Form. Von Anfang an müssen Sie die insgesamt große Form (Konturen) für Ihre gesamte Zeichnung festlegen.

Sie sollten erst an den kleineren Formen einzelner Objekte arbeiten, nachdem Sie zufrieden sind, dass Sie die gewünschte Kontur übertragen haben. Der Versuch, zuerst die kleineren Formen zu zeichnen, wird nur zu Frustration führen. Deine Arbeit fehlt Definition und nicht so überzeugend, wie sie sein könnte. Mit anderen Worten ignorieren Sie Details, bis Sie die Grundlagen richtig machen!

Linie ist die Art und Weise, wie Sie einen Betrachter durch Ihr Gemälde führen. Horizontale Linien wie die in Landschaftszeichnungen vermitteln normalerweise ein friedliches Gefühl; Diagonalleitungen können Spannungen hinzufügen. Im Allgemeinen verleihen Kurven ein viel natürlicheres, angenehmeres Gefühl als gerade Linien; Sie geben Ihrem Stück auch ein gutes Gefühl für Bewegung, so dass es realistischer aussieht.

Farbe befasst sich natürlich mit den Farben, die Sie in Ihrer Palette verwenden. Es geht auch um Intensität-Sie müssen eine Wahl treffen, wie gesättigt (lebendig) oder subtil Sie die Farben haben möchten und ob Sie sie verwenden möchten, um die Idee von Hell oder Dunkelheit auszudrücken.

Der Ton, auch Schattierung oder „Wert“ bezeichnet, steht in direktem Zusammenhang mit der Farbe. Sie können Shading verwenden, um Schatten in Ihrer Arbeit zu erstellen (wie beispielsweise Schatten, die von der Sonne in einer Landschaft erstellt wurden). Dies ermöglicht es Ihrer Arbeit, dreidimensional zu erscheinen und dem Betrachter ein Gefühl der Tiefe zu vermitteln.

Damit Ihre Kunst arbeitet, müssen Sie auch Ihren Platz in Betracht ziehen.

Überlegen Sie, wie viel Platz Sie zwischen den Elementen in Ihrer Zeichnung (als negativer Raum bezeichnet) und wie viel Platz Sie in Ihrer Zeichnung ausfüllen möchten (positiver Raum), und wie viel Platz Sie möchten (positiver Raum). Dies hängt davon ab, welche Art von Zeichnung Sie tun.

In der westlichen Kunst wird der negative Raum oft mit Farbe oder sogar Schattierung gefüllt, aber einige asiatische Kunst verlässt den leeren weißen Raum des Papiers selbst um das zentrale Objekt. Dies kann auch sehr effektiv sein.

Eine Sache, an die Sie sich erinnern sollten: Setzen Sie nicht den gleichen negativen Raum zwischen jedes Element in Ihr Stück-um die Dinge interessant zu halten, ist es wichtig, die Form und Größe des negativen Raums zu variieren.

Gleichgewicht und Einheit
Gleichgewicht und Einheit gelten als Kennzeichen der "guten" konventionellen Kunst. Es gibt einige goldene Regeln, die alle von den großen Künstlern bewährt sind, mit denen Sie in Ihren eigenen Stücken ein Gleichgewicht finden können.

Erstens jedoch einige allgemeine Tipps, die dazu beitragen, den goldenen Regeln zu erleichtern. Es ist wichtig, dass Ihre Zeichnung einen Hauptbereich von Interesse und Fokus gibt, damit der Betrachter weiß, was er sich ansehen und nicht von zu vielen kleinen Elementen abgelenkt wird.

Legen Sie Ihr bekanntestes Thema in Ihrer Arbeit etwas außerhalb der Mitte, um dem Betrachter einen schönen Fluss zu erzielen, und stellen Sie sicher.

Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Gemälde weder vertikal noch horizontal direkt in zwei Hälften schneiden, da dies weniger realistisch aussehen kann. Wenn Sie in Ihrer Arbeit eine Horizontlinie verwenden, stellen Sie sicher Zeichnung.

Und jetzt die goldenen Regeln. Die erste goldene Regel ist die Drittelregel und hängt tatsächlich mit dem goldenen Mittelwert selbst zusammen. Das goldene Mittelwert oder das goldene Verhältnis leitet seit Jahrhunderten klassische Künstler. Es besagt, dass die Elemente eines Kunstwerks so platziert werden sollten, dass jedes Element in einem Teil von 1 bis 1 liegt.618 (ca. 3 bis 5) in Bezug auf jedes andere Element. Die Drittelregel ist eine vereinfachte Version der goldene Mitte.

Es folgen, Teilen Sie Ihre Zeichnung in ein Gitter mit 3 Säulen und Zeilen, die alle gleich groß sind. Platzieren Sie Ihr Hauptthema und kleinere Interessenbereiche in der Nähe einer der Linien in Ihrem Netz. Wenn Sie können. Dies führt leicht zu einer idealen Balance in Ihrer Zeichnung, da Sie nicht dazu zwingen, wichtige Elemente in Bereichen zu setzen, die das Stück visuell in zwei Hälften schneiden und die Augen des Betrachters stoppen würden.

Wie die Drittelregel, die Die Chancenregel basiert auch auf ungeraden Zahlen. Um eine realistische Zeichnung zu erreichen, sollten Sie eine seltsame Anzahl von Themen in Ihrem Stück wie 1 oder 3 und nicht eine gleichmäßige Zahl haben. Wenn Sie nur einen Hauptpunktpunkt haben, Legen Sie eine gleichmäßige Anzahl von Gegenständen um; Auf diese Weise haben Sie eine seltsame Anzahl von Elementen in Ihrer Arbeit, was für das Auge im Allgemeinen angenehmer ist. Wie bei der vorherigen Regel hilft Ihnen die Drittelregel nicht zu vermeiden.

Um Ihre Arbeit zu vereinen, ist die Wiederholung einiger Elemente der Schlüssel. Sie können beispielsweise ein Symbol oder Motiv auswählen und es in bestimmten Bereichen Ihrer Zeichnung wiederholen, möglicherweise in einer anderen Farbe oder in einer kleineren Größe. Dies legt ein Muster in Ihrem Stück fest und hilft es für den Betrachter sinnvoll. Es ist jedoch wichtig, dies nicht zu überwinden, da Sie auch Abwechslung in Ihrer Arbeit haben möchten.

Perspektive
Die Entwicklung der Perspektive ist eine grundlegende Fähigkeit in der Kunst, und das verleiht Ihrer Arbeit ein Gefühl von Tiefe und Distanz. In der Zeichnung gilt die Perspektive, dass Objekte kleiner werden, wenn sie in den Hintergrund eines Bildes gehen, während sich größere Objekte im Vordergrund (vorne) des Bildes befinden.

Lineare und Luftperspektive sind beide wichtig für Künstler. Die lineare Perspektive kann in 1-Punkte-, 2-Punkt- oder 3-Punkte-Perspektive unterteilt werden. 1-Punkte-Perspektive ist der einfachste Ort zum Start. Um es zu verwenden, benötigen Sie nur eine Ansicht und einen Fixpunkt.

Wenn Sie eine Kirche zeichnen, ist Ihre Ansicht das, was Sie vor Ihnen mit geradem Kopf sehen, und der Fixpunkt kann wie eine Statue vor Ihnen sein. Sie werden die Augen des Betrachters durch die Verwendung von zwei Dingen auf die Statue richten: ein Fluchtpunkt und eine Horizontlinie. Der Fluchtpunkt kann jeder Punkt in der Ferne sein, an dem Ihre Augen auf natürliche Weise ruhen-in einer Kirche könnte es ein Punkt an einer entfernten Wand sein.

Ihr Fluchtpunkt ist in Ihre Horizontlinie integriert, Dies ist eine lange, flache horizontale Linie des Himmels (oder im Innenräumen), der sich nach links und rechts von Ihrer Zeichnung und sogar außerhalb Ihres Bildes erstreckt. Perspektive ist ein ziemlich komplexes Werkzeug und nimmt viele verschiedene Formen an, aber dies sind die Grundlagen der Einrichtung einer Ein-Punkte.

Die wesentlichen Zeichnungselemente von Komposition, Gleichgewicht, Einheit und Perspektive sind in allen Kunstformen zu finden. Obwohl Tänzer und Musiker unterschiedliche Definitionen und Ansätze für diese Elemente haben als bildende Künstler, bilden sie einen gemeinsamen Kern zwischen allen künstlerischen Disziplinen.

Unabhängig von Ihrem Gebiet wird sicherstellen.